Entreeticket
Entree
€ 7,50 aan de deur
€ 5,00 voorverkoop online
Kinderen tot 13 jaar gratis toegang (mét entreeticket < 13 jaar)
Genoemde prijzen zijn exclusief € 1,- Stager servicekosten bij aanschaf online.
Let op: iedereen die het festival bezoekt, heeft een toegangskaartje nodig.
An introduction to a sacred cloth – worshipping The Mother Goddess
‘Mata ni Pachedi’s’ zijn tempeldoeken, die in de tempel hangen om de moedergodin te eren. De doeken zijn met een bamboepen getekend en worden met plantaardige verf ingekleurd. Onder leiding van meester Kirit Chitara gaan de deelnemers aan de slag. Het tekenen met bamboepen vergt wat oefening en is minder eenvoudig dan tekenen met potlood op papier. Mata ni Pachedi is een eeuwenoude techniek en bestaat zo’n 300 jaar. Kirit is 9de generatie kunstenaar van de Chitara familie en heeft een sterke motivatie om een groter publiek deelgenoot te maken van deze betekenisvolle schilderkunst.
Deelnemers leren bij deze techniek tekenen met bamboepen op textiel. De tekening wordt ingekleurd met plantaardige verf. Aan het einde van de masterclass krijg je je eindresultaat mee, waarop je je eigen patroon hebt getekend en ingekleurd met plantaardige verf.
Minimum leeftijd 15 jaar, tekenervaring is handig.
Toen Kirit Chitara nog een kind was, kwamen mensen van over de hele wereld om te werken met zijn vader, Jayantibhai Chitara, die een van de weinige kunstenaars was die het ambacht van Mata ni Pachedi nog kende. Tegenwoordig beoefent alleen de familie Chitara dit vak nog.
Al tijdens zijn schooljaren realiseerden de leraren van Kirit zich dat hij een groot talent was. Zij hielpen hem door zijn schilderijen in te sturen voor diverse onderscheidingen. Hij won hierbij ‘The Best Child Award’. Hierdoor zag Kirit een groot potentieel in de uniciteit en populariteit van zijn vaders ambacht.
Na zijn studie besloot Kirit om zijn ambacht voort te zetten en de kunst van Mata ni Pachedi beter bekend te maken en zijn familieambacht te laten groeien door samen te werken met kunstenaars en ontwerpers van over de hele wereld.
Deze masterclass wordt georganiseerd in samenwerking met de Textielfactorij.
Maak een lederen tassen riem
Leer hoe je vanaf het begin een handgemaakte leren tassen riem kunt maken uit de gestanste vormen. Je krijgt kennis van handnaaien, gaten in leer ponsen, het juiste leer kiezen en fournituren met de persoonlijke touch. Zelfs is er een mogelijkheid om het leer te verven met natuurlijke pigmenten. Deze workshop is de perfecte introductie tot het maken van traditionele lederen producten en modeaccessoires. Het biedt de basisvaardigheden om deze leren tas riem te maken en de basis om door te gaan naar het maken van meer geavanceerde stukken.
In deze praktische en hands-on masterclass leer je hoe je leer uitkiest en hoe je traditionele handwerktechnieken toepast. De gereedschappen zijn allemaal aanwezig, evenals een keuze uit een reeks leersoorten, metalen hardware, hand naaigaren en andere benodigde materialen. Het leer is plantaardig gelooid en voor de masterclass wordt leder hergebruikt.
Minimumleeftijd: 16 jaar.
Jana is modeontwerper, ambachtsvrouw en oprichter van CHOCHO LA CKOVA, een onafhankelijk atelier gespecialiseerd in het ontwerpen en produceren van hoogwaardige lederen en niet-lederen producten.
Jana is sinds 2012 werkzaam in het Tetterode-gebouw in Amsterdam. Haar expertise is ook versterkt door haar studies aan de bachelor mode-opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie en Shoe Design aan de ArtEZ Fashion Master. CHOCHO LA CKOVA opereert vooral als onafhankelijk en experimenteel ontwerpadviseur en prototyper. Ze werkt regelmatig samen met professionals uit diverse werkvelden en jongeren die moeilijk een plek kunnen vinden in het huidig onderwijssysteem en geeft workshops.
Deze masterclass kwam tot stand in samenwerking met Makers Unite en Crafts Council Nederland.
Maak een boutonnière
La boutonnière: een klein detail met grote impact.
Aandacht voor detail vormt de kern van maatwerk. Naast een perfecte pasvorm, natuurlijke stoffen en een onberispelijke uitvoering, is dit wat maakt dat een ambachtliefhebber zich onderscheidt van de rest. Eén van die details is een boutonnière.
We zien vaak boutonnières van echte bloemen als een accessoire voor de bruidegom en gasten op een moderne bruiloft. Je hebt misschien zelfs de boutonnières van zijden bloemen gezien in James Bond-films en historische kleding. En je hebt ze zeker gezien op portretten aan de muren van musea wereldwijd.
Maar boutonnières zijn niet alleen voor bruiloften en historische evenementen, of alleen voor mannen om in de colbertrevers te dragen. Dames kunnen de boutonnières als corsage, jurkbroche of haarspeld gebruiken. Zelfs kan je een interessante draai aan je interieur geven of als een unique accesoire in je fotografie verwerken.
En het maakt niet uit of je je boutonnière op je kleiding draagt of bijvoorbeeld in je woonkamer toont: ze blijven een perfecte gespreksstarter en een uniek detail om aan herinnerd te worden.
Tijdens de workshop maken we kennis met de realistische papieren bloemboutonnières, die voor een beginnend ambachtspersoon toegankelijker zijn dan zijden bloemen, maar niet minder impact hebben.
We beginnen met het snijden en schilderen van de bloembladen, het binden van de stelen en eindigen met het samenvoegen van de bloem die je naar huis meeneemt, zodat je deze in een knoopsgat van een jas of een jurk als broche kunt dragen.
Ook vertelt Katja je over de leuke geschiedenis en de juiste etiquette om een boutonnière te dragen.
Alle materialen en gereedschappen die nodig zijn om één boutonnière te maken, worden verstrekt.
Je kunt ook een pakketje kopen om thuis andere bloemen mee te maken.
Minimumleeftijd 21 jaar.
Katja van der Steen is een bespoke tailor die een beperkt aantal op maat gemaakte opdrachten per jaar aanneemt, waarbij ze zich richt op handgemaakte speciale stukken van hoge kwaliteit, die gemaakt zijn om lang mee te gaan.
“De opleiding ‘Meesteropleiding Coupeur‘ in Amsterdam (gezel A, B, C) met specialisatie ‘Heren Meestercoupeur’ heb ik afgerond en apprenticeship gedaan bij het Bolshoi-theater: hetwereldberoemde theater voor opera en ballet. Naast het op maat maken van kleding promoot ik actief het ambacht van ‘handgemaakt’, zoals borduren, textielverwerking en kant maken door middel van verschillende masterclasses en workshops.”
Traditional backstrap weaving from Mexico
Join us on a journey to embrace the symbols and meanings of the Amuzgo women’s weaving practices and feel closer to their narratives and beliefs. Learn how to set up a backstrap loom and gently weave colourful geometric symbols with their guidance. Feel the softness of their cotton and choose which plant colours speak to you. Weave as many symbols from their culture as you can, learn their meanings and take the loom and weaving sample of this Mexican culture home with you.
In a remote village in the state of Guerrero (México), there is an indigenous group named Amuzgo or Amochco, known for its textile heritage. Weaving in this region has been a women’s role, and oral transmission has kept this practice alive from one generation to another, playing crucial roles in these women’s social, spiritual and economic lives. Weaving a piece can take up weeks, months or even a year to be completed, making each creation a unique story of its maker. Amuzgo weaves are complex representations in geometric motifs of the fauna, flora, ethnicity, beliefs and personal narratives of the ancestors. This valuable craft ensures cultural continuity, and ritual exchange and strengthens the community bonds among its members.
Gabina Valentín López is an Amuzgo weaver from Xochistlahuaca, Guerrero, on the Costa Chica of México. From the age of nine, she started weaving and learning the traditional symbology of her indigenous community, side by side with her family elders. Forced to migrate to the urban areas of Mexico City, weaving became for some years a night activity to keep practising her knowledge and feel closer to her roots. With her passion and strength, Gabina dedicates her life to preserving and maintaining her textile culture. She travels around México to sell the work of the Amuzgo weavers, safeguarding their ability to gain independence as women while keeping their culture alive.
Inês Queirós is a Portuguese textile artist and researcher based in Amsterdam, who is dedicated to preserving the endangered textile cultures and the unique multicultural manifestations of the ethnosphere. As the founder of TuYo Foundation and with her knowledge of natural dyeing methods/weaving techniques, she tries to motivate communities to restore ancestral textile practices while exploring new possibilities. She approaches textiles as a physical vehicle for storytelling, social encounters and a powerful tool for women’s emancipation. She will be the translator and facilitator of the masterclasses taught by Gabina Valentín Lopez.
For weavers of all levels, the minimum age is 10 years. Language English or Spanish.
The price includes the backstrap loom, which you can take home.
Sculpting with Worbla
Working with WORBLA
Learn how to use this non-toxic thermoplastic to make sculptures.
Puppet-making / doll-making is a tradition that dates back to the origins of artistic creation. People have have always been attracted to making reproductions of their family, community, or even deities. The objects are then used in performances, as decoration, or in ceremonies. The only thing to change over the years is the material, and even then many have remained in use for millenia.
Leather, paper, and wood are all wonderfully natural materials to work with, but sometimes the processes take too long to achieve your desired object. However, Worbla is a relatively new material that has revolutionized the sculpture world. It is very easy to work with basic tools and it creates a shape quickly that is durable. It is used widely now for props for film, masks, puppets, and is a new favorite for the Cosplay community (costumed role-play often portraying comic book characters).
Worbla might be a plastic, but it is certified non-toxic and even the smallest scraps can be melted or mixed with others to be reusable. A great option for the eco-minded artist.
In this masterclass you will learn to create a small puppet’s head (or mask) from your own design. We will start by sculpting a basic character from clay using simple wooden sculpting tools. Worbla comes in flat sheets and can be cut with scissors and a knife. Using a heat gun (een heteluchtpistool) small sections of the material are gently warmed up until they soften and then can be pushed onto the clay surface creating a new skin. While warm, it’s own adhesive is activated and it sticks it to itself immediately. Once cooled the Worbla can be removed from the clay base.
The final result is very light, very strong and easy to paint and add decorations. The same techniques can be applied to flat sculptures in relief that can become a piece of jewelry or armor for a costume.
Minimum age: 14 years, English or Dutch spoken
Matt Jackson is a professional puppet and mask-maker for film, theatre, and the fine arts with over 20 years of experience. He works on commission and also produces his own performances and exhibitions. Select creations are used by the master puppeteer Kanroku in Osaka, Japan; the Ulrike Quade Company in Amsterdam, NL; La-Nef Théâtre in Paris, FR, and many more.
His personal research is in the use of organic/non-toxic materials and methods. An awareness of sustainability in the arts also inspires him to work with “found-objects” that give an element of surprise to the design process.
Matt regularly hosts professional courses in fabrication at his studio in The Netherlands, and has also taught at l’École Nationale Supérieure des Arts de la Marionnette (Charleville-Mézières, France); Le Centre de la Marionnette ( Belgium), and the Central School of Speech and Drama (UK).
Worbla for the masterclasses is generously supplied by Art Supplies On Web.
Metal embroidery
This goldwork embroidery masterclass gives you the opportunity to get creative and explore the contemporary possibilities of metal thread techniques.
An artform with a rich heritage dating back over 700 years, these beautiful threads and techniques have changed little for centuries, and today the making of metal threads is an endangered craft, with only a handful of master thread makers left in the UK.
Exploring a selection of goldwork threads, participants will be introduced to the foundations of traditional techniques such as couching (where metal threads are stitched onto the surface of the fabric with a fine thread) and chipping (where a hollow coiled metal is stitched through the centre similar to beading).
During the masterclass you will discover how we can explore these ancient techniques with fresh, modern eyes, which Hanny firmly believes is what keeps a craft vibrant.
Hanny’s workshops are a balance of technique and experimentation, allowing participants plenty of space to find their own response to the historical techniques of goldwork.
Some experience with basic stitching is preferred but not essential, and no prior knowledge of goldwork is necessary.
Minimum age: 14 years, English spoken masterclass
Included are a selection of 6 beautiful ‘endangered’ metal threads in gold, silver and copper, plus needles, a fabric design, beeswax, soft thread, printed instructions and loan of hoops and equipment. Material packs are designed to give participants enough to take home afterwards.
Hanny Newton is a metal thread embroiderer who follows her own personal response to the traditional art form of goldwork. Since studying at the Royal School of Needlework (2011-13) she has been fascinated by the inherent qualities of different metal threads . From the base of her studio in Shropshire, England, she works internationally with interior designers and art consultancies, applying her contemporary approach to metal thread work to large scale projects for hotels and private residences around the world. She has taught her contemporary approach to goldwork at several notable institutions, including the British Museum in London, West Dean College of Arts in Chichester, and the Australian Design Centre in Sydney.
In collaboration with the Heritage Crafts Association.
© Joshua James Photography
Fresco design
Iedereen kent de fresco’s van Michelangelo in de Sixtijnse kapel, maar weinig mensen kennen nog de fresco techniek (‘a buon fresco’ genoemd) waarmee deze afbeeldingen geschilderd zijn.
Fresco’s worden vooral op wanden en soms ook op plafonds gemaakt. De ondergrond is of natuursteen of baksteen. Op de muur worden eerst twee preparatielagen gezet, daarop komt de laatste dunne stuclaag waarop geschilderd wordt. De stuclaag (met alleen kalk en zand)) moet vers en dus vochtig zijn, dan kan je gaan schilderen. Hiervoor gebruik je alleen water en pigment. Jammer genoeg zijn niet alle kleuren geschikt voor een frescoschildering.
Je hebt tussen de 4 en 10 uur de tijd voor je schildering, daarna is de stuclaag te droog geworden.
In deze fresco masterclass leer je de basis van de ‘a buon fresco’ techniek. Je leert over de ondergrond, de samenstelling van de kalkmortel en de pigmenten die je kunt gebruiken. Met deze materialen, een troffel, een plakspaan en wat penselen ga je zelf aan de slag op een tegel van terracotta.
Ieder maakt één à twee eenvoudige frescoschilderingen, steeds op een tegel. We gebruiken voorbeelden van oude – en moderne (fresco)schilders. We maken geen kopies maar laten ons vooral door het kleurgebruik van deze schilders inspireren.
Als de tegels klaar zijn maken we hiermee een gezamenlijk werk, een veelkleurig fresco tableau. Dat geeft een onverwacht mooi resultaat!
Aan het einde van de dag neem je jouw eigen tegel mee naar huis.
Minimum leeftijd: 14 jaar
Na haar opleiding aan de afdeling ‘Vrije Kunsten’ aan de kunstacademie te Arnhem (nu Artez), bestudeerde Annelies Toebes in Italië (Prato) de frescotechniek m.b.v. een Italiaanse studiebeurs. Later heeft ze zich in Florence (Palazzo Spinelli) bijgeschoold in de restauratie van fresco’s.
Annelies Toebes maakt wandvullende fresco’s en op fresco gelijkende muurschilderingen (secco’s) in opdracht. Daarnaast maakt ze ook vrij werk.
Haar ambitie is om het fresco-ambacht in leven te houden, niet door het kopiëren van beroemde fresco’s uit de renaissance maar door de fresco techniek te gebruiken voor eigentijdse, meer abstracte voorstellingen. Bovendien: er zijn in Nederland genoeg plekken waar een fresco prachtig zou passen en een mooie eyecatcher kan zijn.
Fore-edge painting
A Magic Secret Bookart
In this masterclass, you will have a unique opportunity to learn how to make your own ‘vanishing’ book painting. Fore-edge painting is a British book art practised for centuries by a few binders and artists. These curious secret paintings are hidden under the gilded page edges in such a way that they can only be seen by fanning the book. Martin is currently the only practitioner offering workshops and, having created 3500 examples, will show the technique he has used for the last 44 years. The craft has been declared ‘critically endangered’ by the British Heritage Crafts Association and awarded Martin ‘Maker of the Year’ for 2017. In addition, the national honour of the MBE was personally presented to him by Her Majesty Queen Elizabeth. Examples of this rare book art will be on display during the masterclass.
Students will be shown the correct way to prepare the book and materials, plan the image, apply the paint and finally wipe the edge to enable the painting to vanish magically. Students need to be able to handle small brushes but not necessarily be accomplished artists.
Materials students should bring: watercolour paints and a selection of brushes (sizes 4-8), a mixing plate, a small water pot, pencil, ruler, sheets of A4 paper, and some ideas as to their preferred image (the fanned edge is a slim 4:1 format).
Materials supplied: A5 gilt-edged blank books and an 8-page manual (worth £ 35) are included in the masterclass price. Loan of the book clamps is free, but they are available for sale at £ 60.
This masterclass lasts from 11 am to 6 pm. There will be a one-hour lunch break. The maximum number of participants is ten. Minimum age ± 16 (participants need to be able to handle brushes, take instructions and be prepared to focus for a day).
In collaboration with the Heritage Crafts Association.
Slijp je eigen diamant
Het slijpen van ruwe diamanten is een ambacht dat in Amsterdam al eeuwen wordt uitgeoefend.
Diamant is het hardste materiaal op aarde en kan alleen bewerkt worden met een andere diamant. Door middel van een diamantschijf transformeert de diamantbewerker ruwe kristallen tot de schitterendste edelstenen.
Tijdens het Ambacht in Beeld Festival geeft één van de meesterslijpers een exclusieve één-op-één masterclass waarin jullie samen jouw eigen diamant slijpen.
Minimum leeftijd: 18 jaar
www.amsterdamcityofdiamonds.com
